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Performance by Jade Montserrat, Text by Chris McCormack for Coccyx by Ursula Mayer http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_10.html COCCYX è una lecture performance multimediale sviluppata da Ursula Mayer in collaborazione con lo scrittore Chris McCormack e l'artista performativa Jade Montserrat. Il lavoro parte dal presupposto che tutti portiamo storie diverse con noi, attraverso i nostri ricordi, le nostre amicizie e il nostro DNA e si chiede se, attraverso il nostro DNA, possiamo anche accedere ai ricordi dei nostri antenati. Il coccige è l'osso vestigiale alla base delle nostra spina dorsale, una sorta di avanzo evolutivo. COCCYX immagina l'evoluzione dai nostri sé pre-umani alle visioni dei nostri sé post-umani prendendo come punto di partenza i risultati dei test del DNA di diverse soggettività che vivono nel nostro presente. La partitura della performance specula intrecciando le opere e le idee di Mayer, McCormack e Montserrat che rispondono a tre assi di costruzione del lavoro: l’ascendenza, la memoria e il futuro creano l’architettura della performance campionando futurologie alternative per nuove finzioni post-coloniali. La pratica multimediale di Ursula Mayer intreccia mito, biopolitica e semiotica del cinema per visualizzare la futura ontologia post-umana. Nel 2014 riceve il premio Derek Jarman. Recentemente ha esposto all’Harvard Gallery, Moderna Museet, Stoccolma; Performa NY, ICA, Londra. Chris McCormack è uno scrittore e redattore associato di Art Monthly. Ha contribuito a numerosi saggi e testi per cataloghi. COCCYX is a multimedia performance lecture developed by Ursula Mayer in collaboration with writer Chris McCormack and performance artist Jade Montserrat. The work starts from the assumption that we all carry different stories with us, through our memories, our friendships and our DNA and, taking this further, asks if we can even access the memories of our ancestors through our DNA. The coccyx is the vestigial bone at the base of our spines, an evolutionary leftover. COCCYX reimagines evolution from our pre-human selves to visions of our post-human selves by taking as a starting point the results of DNA tests of different subjectivities living in our present. The score speculatively intertwines the works and ideas of Mayer, McCormack and Montserrat who respond to three axes: ancestry, memory and future by sampling alternative futurologies for new post-colonial fictions. Ursula Mayer’s multimedia practice interweaves myth, biopolitics and semiotics of cinema to visualize upon future post human ontology. She received the Derek Jarman award in 2014. She has recently exhibited at Hayward Gallery, Moderna Museet, Stockholm; Performa NY, ICA, London. Chris McCormack is a writer and associate editor of Art Monthly. He was contributed numerous essays and texts for catalogues.

http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_8.html Il progetto presentato da Rodrigo Batista si basa su una ricerca che esplora - attraverso esperienze personali e teorie sul tema dell'insurrezione e della furia - gesti artistici e situazioni performative che possano essere una risposta attiva a un mondo costruito sulla violenza e l'ingiustizia. Ricercando immagini di insurrezioni (vandalismo, incendio di macchine, civili contro forze armate di polizia) e ricordando l'esperienza degli scioperi a San Paolo, Batista cerca di riprodurre quello stato corporeo di furore che è inerente a tali esperienze. Più specificamente, il progetto si concentra sulla sensazione di "non avere nulla da perdere", un sentimento che è vicino alla disperazione, affermando però che nella disperazione il nostro corpo può reagire in modo imprevisto. Ispirandosi a situazioni di passaggio, Batista cerca un corpo furioso che diventa visibile attraverso la distruzione, denunciando e provocando disordine. Una furia che - come nella mitologia greca - nasce dal mondo sotterraneo per tormentare i possessori della ragione e i detentori del potere. Performer, regista ed educatore. Sta per conseguire il DAS Theatre Master ad Amsterdam presso l’Amsterdam University of the Arts. Ha lavorato per oltre 10 anni all’interno del gruppo pH2: estado de teatro (2007-2017), dedicato a presentare indagini teatrali in dialogo con la filosofia, il cinema e la danza. Attualmente sta sviluppando una ricerca solistica che ha l’ambizione di portare insurrezione all’interno dello spazio performativo. The project presented by Rodrigo Batista dwells on a research that seeks to find - through personal experiences and theories on the theme of insurrection and fury - artistic gestures and performative situations that can be an active response to a world built on violence and injustice. Researching images of insurrection (vandalism, the burning of cars, civilians against armed policed forces) and recalling the experience of strikes in São Paulo, Batista tries to enact a bodily state of fury that is inherent to such experiences. More specifically, the project focuses on the feeling of “having nothing to lose”, a feeling which is close to despair, affirming that in desperation our body can react unexpectedly. Looking at threshold situations, Batista looks for a furious body that becomes visible through destruction, denouncing and provoking disorder. A fury that – as in the Greek mythology – arises from the underworld to torment the possessors of reason and holders of power. Performer, director and educator. Undergoing a DAS Theatre Master in Amsterdam at the Amsterdam University of the Arts. Worked over 10 years as part of the group pH2: estado de teatro (2007-2017), dedicated to present theatrical investigations in dialogue with philosophy, cinema and dance. Presently developing a solo research with the ambition to bring insurrection inside the performing space.

Notes from an Algorithmic memory è un progetto che ha l’obiettivo di ricalibrare i molteplici livellii di un evento, attraverso processi di raccolta di dati, rievocazioni e l’uso di pratiche di mixing. La performance analizza l'immagine di Nsala scattata da Alice Seeley Harris, una missionaria che si stabilì in Congo nel 1898. Nella fotografia, il soggetto è Nsala, un uomo che lavorava nelle piantagioni di gomma. Il progetto è composto da una serie di elementi, principalmente immagini in movimento e suoni trovati. L’episodio affronta questo materiale trovato nell’intento di riformulare lo sguardo che dedichiamo alle immagini dei trofei. Come afferma la Suvendrini Perera "il corpo trofeo del non umano è la figura di un denso intreccio di storie, relazioni, pratiche, estetica e tecnologie. Una serie di attraversamenti e riattraversamenti tra categorie di specie e razza definisce il corpo non umano come un artefatto-trofeo”. Notes from an Algorithmic memory si occupa dell'immagine del trofeo per comprendere le sue condizioni socio-politiche e il suo ruolo all'interno delle rappresentazioni contemporanee (decolonializzazione, spazio pubblico e immagine del futuro). Phumulani Ntuli ha conseguito un Master in Belli Arti – Arti nella Sfera Pubblica (ECAV) presso l’Ècole Cantonale D’Art du Valais a Sierre (Svizzera) ed è stato premiato con il Prix excellence per il suo progetto di ricerca in corso “Permutations of an event” che si concentra sui concetti di archivio e sorveglianza. L’opera di Ntuli fonde gli ambiti della ricerca artistica, della scultura, dell’installazione video e delle pratiche performative. Il suo lavoro si articola in convergenze artistiche che si sovrappongono all’ambito della documentazione e della creazione di immagini visive in quanto spazi di coinvolgimento. Coinvolge costantemente pubblici/spettatori eterogenei e tenta di rendere visibili gli intervalli della storia, i suoi silenzi e le sue pause. Il suo schema artistico si avvicina alle questioni di immanenza/imminenza nel nostro presente e a come possano influenzare le pratiche del futuro. Come artista/professionista Ntuli ha presentato e/o contribuito a opere in occasione della Kampala Biennale 2016 in Uganda, a cura di Elise Atangana, del Bone Performance Festival del 2016 a Berna (Svizzera), a cura di Valerian Maly e si è anche esibito presso l’Act Festival 2012 a Ginevra, Basilea, Sierre e Zurigo. Ntuli ha poi preso parte a residenze/laboratori presso la Fondazione Pistoletto a Biella (Italia) e a AIR Antwerpen in Belgio. Notes from an algorithmic memory is a project that re-calibrates the multi-layers of an event, through processes of data collections, re-enactment and mix theory. It unpacks the image of Nsala taken by Alice Seeley Harris a missionary who settled in the Congo in 1898. Nsala is a subject in the photograph, a man who worked in the rubber plantations. The project is composed of a series of components and entry points of found moving images and sound. Notes from an algorithmic memory approaches found material to reposition the gaze of trophy images as Suvendrini Perera states “the trophy body of the nonhuman is the figure of a dense meshing of histories, relations, practices, aesthetics and technologies. A series of crossings and recrossings of speciation and racialization locate the nonhuman body as trophy artefact”. Notes from an algorithmic memory one attends to the trophy image to comprehend its socio-political conditions within contemporary representations, decoloniality, public space and futurity. Phumulani Ntuli holds a Masters in the Fine Arts- Arts Public Sphere from (ECAV) Ècole Cantonale D’Art du Valais in Sierre-Switzerland and was awarded Prix-excellence for his ongoing research project “Permutations of an event” centered around notions of archives and surveillance. Ntuli’s opus merges the ambit of artistic research, sculpture, video installations and performative practices. Ntuli’s process is formulated by artistic convergences that overlap between/ around and/or in documentation(s), image and visual as spaces of engagement. He consistently engages diverse publics/ audiences and attempts to make visible History’s gaps/ breaks/ silences/pauses and remnants. Ntuli’s artistic framework draws in these issues immanence/ imminence within our present and how they can influence practices within the spectrum of futurity. As an artist/ practitioner Ntuli has presented and/ or contributed work within the context of the 2016 Kampala Biennale in Uganda curated by Elise Atangana, the 2016 Bone Performance Festival in Bern Switzerland, curated by Valerian Maly and also performed in the 2016 Act Festival in Geneva, Basel, Sierre and Zurich. During the aforementioned year, Ntuli participated in residencies/ workshops at the Fondazi- one Pistoletto in Biella, Italy and AIR Antwerpen in Belgium.

No fear of the raw (or), how to reverse one’s own gaze. Performed notes on the phantoms of wealth. La proposta di Beto Shwafaty si materializza come un formato ibrido tra performance scenica e filmica, il cui nucleo è il video Afastando el Pueblo, Fantasmas de la Riqueza (2016), diretto dallo stesso Shwafaty. Questo film è stato prodotto in dialogo con il movimento cinematografico della Pornomiséria, e in particolare con il film Agarrando el pueblo (The Vampires of Poverty), diretto nel 1977 da Luis Ospina e Carlos Mayolo. Riconnettendosi con la nozione di Pornomiseria, Shwafaty cerca di aggiornare e invertire lo statement artistico di Luis Ospina e Carlos Mayolo, concentrandosi su quelle promesse di nuova ricchezza che si sono diffuse nelle recenti rappresentazioni dei paesi dell'America Latina, favorendo una lettura del continente come un territorio nuovamente fiorente di meraviglie e ricchezza. Nella performance di Shwafaty, le idee di fame, esplorazione, produzione di immagini vengono fatte convergere per creare una riflessione con il pubblico sulle nozioni di vedere ed essere visto, sui valori che vengono creati nell'atto stesso di guardare qualcosa e i diversi regimi che sono in gioco nei nostri sguardi contemporanei. Beto Shwafaty (1977, São Paulo) produce installazioni, video e oggetti scultorei usando una gamma eterogenea di materiali e metodologie, come il pensiero curatoriale, strategie istituzionali, criticismo e ricerca d’archivio per attivare differenti modalità di esposizione e situazioni discorsive. I suoi progetti si ispirano ai concetti di appropriazione, dislocazione e transazione, generando opere che si sviluppano nel corso di periodi di tempo prolungati. Il suo lavoro spesso si concentra sul modo in cui episodi storici possono lasciare tracce nella cultura e far risentire il loro eco negli oggetti, spazi e strutture socio-culturali, che di conseguenza producono significati e comportamenti condivisi pubblicamente. In questo senso, è interessato a soggetti connessi alla storia, socio-politica, architettura e design, considerandoli elementi narrativi e testimonianze che ci possono informare su aspetti differenti del nostro presente. The proposal of Beto Shwafaty materializes as a hybrid format of lecture-staged-filmic-performance whose core is Shwafaty’s video Afastando el Pueblo, Fantasmas de la Riqueza (2016). This film was produced in dialogue with the cinematographic movement Pornomiséria, and particularly the movie Agarrando el pueblo (The Vampires of Poverty), directed in 1977 by Luis Ospina and Carlos Mayolo. In reconnecting with the notion of Pornomiseria, Shwafaty tries to update and reverse the statement made by Ospina and Mayolo, focusing on the promises of new wealth that spread over recent representations of Latin American countries, which fostered a renewal reading of the continent as a (again) flourishing territory of wonders and wealth. In the performance, hunger, exploration, image production are put together to create a reflection with the public about the notions of seeing and being seeing, about the values that are created in the very act of looking at something, the diverse regimes that are in game within our contemporary gazes. Beto Shwafaty (1977, São Paulo) produces installations, videos and sculptural objects using a diverse array of materials and methodologies, such as curatorial thinking, institutional strategies, criticism and archival research to activate diverse types of exhibitionary and discursive situations. His projects are informed by the notions of appropriation, dislocations and translation, generating works that are developed over extended periods of time. In his practice, he often focuses on the way historical episodes can leave traces on culture and be echoed in objects, spaces and sociocultural structures, which by consequence produce publicly shared meanings and behaviors. In this sense, he has been interested in subjects linked to history, sociopolitics, architecture and design, assuming these as narrative elements and evidences that may inform us on diverse aspects our present time. http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_11.html

http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_1.html Il processo di mappatura cognitiva è la rappresentazione mentale di uno spazio e consiste nell'acquisizione e memorizzazione di dati ambientali e il loro eventuale recupero mnemonico in un secondo momento. Che cosa si ricorda di una stanza in cui si è vissuti, e che non esiste più o in cui non abbiamo la possibilità di tornare? In I ... Cognitive Maps - Chapter 1 l'artista Ely Daou viaggia nella sua memoria – e nella storia – nel tentativo di disegnare le diverse abitazioni e situazioni di vita che ha dovuto cambiare durante gli anni della guerra civile libanese e in quelli successivi. I diversi dettagli architettonici - o quello che di essi viene ricordato o modificato dalla memoria dell'artista - diventano i punti di partenza per entrare nuovamente negli spazi e nel tempo passato. I ... Cognitive Maps – Chapter 1 diviene un viaggio in una serie di appartamenti poggiati su una base di ricordi incerti; una narrazione che esplora il modo in cui sapere dove siamo e sapere chi siamo, sono due aspetti fondamentali delle nostre esperienze fisiche e mentali. Ely Daou è nato a Beirut, in Libano, nel 1986. Cresciuto negli anni della guerra civile libanese, ha vissuto la politica e le incertezze come elementi che hanno avuto un ruolo importante nella sua vita, e oggi nella sua pratica artistica. Ely vive tra Barcellona e Berlino. The cognitive mapping process is a mental representation of spatial information. It consists in the acquisition and memorization of environmental information, and their eventual recovering and decoding in a second moment. What does one remember of a room in which she or he lived, and that does no longer exist, or were she/he never went back? In I... Cognitive Maps - Chapter 1 the artist Ely Daou travels in his memory –and in history– through the attempt of sketching the different apartments and living situation he had to change during the Lebanese Civil War and in the following years. The architectonical details – as they are remembered or maybe transformed by the memory of the artist– become the starting points to enter again both the spaces of the rooms and the time of the past. A practice that builds apartments standing on beliefs and memory. I... Cognitive Maps - Chapter 1 is a storytelling that explores how knowing where we are and who we are, are two fundamental aspects of our physical and mental experiences. BIO/Ely Daou was born in Beirut, Lebanon, in 1986. Raised in the years of the Lebanese Civil War, politics and uncertainties have played a huge role in his life and artistic practice. Ely is currently based between Barcelona and Berlin.

http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_4.html FORCE «G» è una cartografia che emerge attraverso la “bastardizzazione” dei linguaggi: immagini acustiche, oggetti “danzanti”, storytelling commestibili. Il punto di partenza è una parola che gli artisti hanno recentemente scoperto - ductus -, che nel Medioevo definiva una modalità di lettura il cui senso era simile all'idea di "andare a fare un giro". Gli artisti hanno deciso di qualificare questo termine come una pratica non ufficiale che può appartenere tanto a elementi umani che a non umani. Possono una fontana e un imitatore del canto di uccelli essere ductus? Passando da questa domanda FORCE «G» guida un piccolo team di personaggi e pratiche ad essi correlate (The Troubadour con i suoi suoni e gesti, The Bastard con le sue mosse e le sue parole, e The Circuit con la sua musica, materiali vibranti e computer). Un viaggio tra il pubblico e con il pubblico, dove le situazioni visive si fondono con le potenzialità del confine tra fantasia e dati geografici. Anne-Lise Le Gac vive a Marsiglia. Dal 2003 al 2008 studia alla Scuola di Belle Arti di Strasburgo, concentrandosi sulla performance art. Nel 2013 completa il master ESSAIS per la danza al CNDC Angers. Nel 2014 lavora con la coreografa Claudia Triozzi. Anne Lise Le Gac crea anche lavori solistici come La Caresse du Coma e un progetto di performance collaborativa, GRAND MAL con Élie Ortis. Dal 2015 co-organizza con un team di creatori il festival di performance OKAY CONFIANCE. FORCE «G» is a cartography emerging through bastard gestures: acoustic images, dancing tools, eatable storytellings. The starting point is a word that the artist recently discovered – ductus–, that in the Middle Ages defined a reading mode, whose sense was similar to the idea of 'going for a ride'. The artists decided to qualify this term as a non-official practice that can belong both to human and non human elements. Can both a fountain and a song-bird-imitator be a ductus? Moving from this question FORCE «G» drives a team of practitioners with their related practices (The Troubadour with its sounds and gestures; The Bastard with its dancing moves and words; and The Circuit with its music, vibrating materials and computer machines) in the elaboration of a ride, where practices and stories can be intertwined. A journey through the audience and with the audience, where the visual situations merge with the potentiality of the border between fantasy and true stories. Anne-Lise Le Gac lives in Marseille. She studied at the Fine Arts School of Strasbourg from 2003 to 2008, focusing on performance art. She completed the ESSAIS Master Program for Dance at CNDC Angers in 2013. In 2014, she worked with the choreographer Claudia Triozzi. She later created solo pieces such as La Caresse du Coma and a collaborative performance project, GRAND MAL with Élie Ortis. Since 2015, she has been co-organising the performance festival OKAY CONFIANCE with a team of makers.

Not Every Flower Blooms Under Harsh Light http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_9.html La performance Not Every Flower Blooms Under Harsh Light è la continuazione di un precedente lavoro di Nyakallo Maleke intitolato Letsoalo. To think that I have to go back and recover from this is exhausting che esplorava l'idea di dubbio. Durante Live Works, Maleke reinterpreta e implementa questo lavoro, articolando tra loro momenti frammentari di vulnerabilità e dubbio e interrogando la poetica che in essi esiste. In questo caso lavora con una serie di materiali che alludono alla potenzialità di creazione di legami e connessioni. Partendo dalla tensione tra tentativo e rinuncia, e dall'esplorazione della condizione di “esaurimento delle possibilità”, questo nuovo lavoro enfatizza, attraverso l’uso della luce, la relazione tra visibilità e invisibilità, materializzando un’intensità legata alla dimensione del dubbio. Maleke è interessata ai vari processi di negoziazione attivi nelle decisioni, che sono strutturalmente influenzate dal dubbio. In quale circostanza il corpo si arrende e si ferma? In bilico tra il desiderio di prolungare l'esperienza collettiva con il pubblico e il sottrarsi rapidamente ad essa, il corpo diviene la piattaforma su cui il dubbio appare. Nyakallo Maleke (1993) è un’artista sud-africana residente a Johannesburg. Con il suo lavoro si dedica a installazioni, video, incisioni per esaminare le idee di memoria personale, spazio e quotidianità. Attualmente è iscritta al MAPS (Master di Arte nella Sfera Pubblica) presso l’ Ècole Cantonale d’art du Valais, Svizzera. Al momento è interessata a confrontarsi con domande sul dubbio, sulla vulnerabilità e sui metodi per l’adattamento e se esso possa essere pensato come un’economia che può riarticolarsi attraverso lo spazio e il luogo pubblico, il corpo e la scrittura. Nyakallo è un ex studente dell’ Asiko 2016 Addis Ababa e attualmente sta partecipando al progetto di ricerca School of Anxiety a cura di Moses Serubiri, che fa parte della 10° Biennale di Berlino 2018. Nyakallo si è laureata presso l’Università di Witwatersrand (2015). Il suo primo spettacolo solistico si è svolto nel 2016 a Windhoek, Namibia, per l’inaugurazione della stagione artistica di John Muafangejo. Tra gli spettacoli di gruppo NGO - Nothing Gets Organised, Johannesburg (2016) e The New Parthenon at Stevenson Gallery Cape Town (2017). The work Not Every Flower Blooms Under Harsh Light is a continuation of a previous Maleke’s performance piece titled Letsoalo. To think that I have to go back and recover from this is exhausting which explored the idea of doubt. During Live Works, Maleke reinterprets and implements this work by articulating fragmented moments of being vulnerable and in doubt, inquiring into the poetics that exists in them. Starting from a an exploration of the condition of exhaustion, this new work emphases through light the relationship between visibility and invisibility, to articulate an intensity that is related to doubt. Maleke is in fact interested in the various processes of negotiating in decisions that are impacted by doubts: when the body surrenders and when it quits. Between the desire of prolonging the collective experience with the audience and the one of moving through space rapidly, the doubt is performed by the body. Nyakallo Maleke (1993) is a South African Artist based in Johannesburg. She works with installation, video and printmaking to think through ideas of personal memory, space and the everyday. She is currently enrolled in a MAPS (Master of Art in Public Sphere) at Ècole Cantonale d’art du Valais, Switzerland and she is currently interested in asking questions around doubt, vulnerability and methods for adapting, and how it can be imagined as an economy that can become rearticulated, through public space and place, the body and writing. Nyakallo is an Asiko 2016 Addis Ababa alumnus and is currently participating in the School of Anxiety research project curated by Moses Serubiri, as part of the 10th Berlin Biennale 2018. Nyakallo obtained her BFA from the University of the Witwatersrand (2015). Her first solo show was in Windhoek, Namibia for the inaugural John Muafangejo Art Season in 2016. Group shows include NGO – Nothing Gets Organised, Johannesburg (2016) and The New Parthenon at Stevenson Gallery Cape Town (2017).

Kok-lat-vil solo + Invocation + Incantation + Exorcism http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_6.html Una piroga compie un viaggio da Strasburgo a Bruxelles, al Museo Reale dell'Africa Centrale di Tervurn, l'ex Museo del Congo. Qui viene caricata di oggetti Nkisi, che sono stati portati dal Congo al Belgio durante il periodo coloniale, e si sposta nuovamente verso il porto di Anversa. Da lì attraversa il mare per arrivare al porto di Boma (RDC); va a Matadi e poi a sinistra verso Kinshasa, al fine di restaurare gli oggetti trasportati e installarli nel Museo Nazionale di Kinshasa. Unendo immagini video e azioni performative Christian Botale Molebo stabilisce un viaggio immaginario che ricrea la possibilità di un patrimonio nazionale che non esiste più in Congo, e che l'artista ha scoperto solo in età adulta e una volta in Belgio. Per questo progetto ha deciso di intagliare la propria versione degli oggetti e di collocarli al centro del lavoro, cercando una verità tra «ciò che è stato scritto dal nord» e «ciò che è trasmesso dal passaparola dal sud», e - su scala più ampia - trasportando il pubblico all'interno di una serie di domande silenziose: se questi oggetti sono «preservati bene» a Tervuren, che senso diamo alla parola «preservare»? Chi decide di dare loro uno status di opere d’arte? Christian Botale Molebo è nato nel 1980 a Kinshasa/ Zaïre. Nel 2006 studia comunicazione visuale al Scuola di Belle Arti di Kinshasa e nel 2012 si diploma presso l’Haute Ecole des Arts du Rhin di Strasburgo. Artista visuale, performer e coreografo, lavora primariamente con il corpo e gli oggetti di cui si appropria per rafforzare le sue opere. Il suo lavoro è instabile e richiede un processo d’emergenza. Carichi di riferimenti alla sua storia e al suo Paese d’origine, i rischi temporanei sono una costante nel suo lavoro. Utilizza il caos come uno strumento, il dramma è al centro della sua opera. Christian Botale è un narratore. Attraverso la coreografia, l’interpretazione performativa delle danze tradizionali, racconta storie sul periodo coloniale del Congo Belga, del Congo Stato Libero e dello Zaïre sotto la dittatura di Mobutu, trasmesse oralmente da suo padre. Attualmente segue il progetto KOK-LAT-VIL One-man-Sleepless night-Recreation-Exhibition, che si interroga sull’eredità e su come sia possibile gestire questa eredità che deriva dai fantasmi del passato e l’evoluzione delle tendenze e del loro patrimonio nel mondo vivente. A pirogue goes from Strasbourg to Brussels, in Tervuren, to the Royal Museum of Central Africa, the former Congo Museum. It is then loaded of Nkisi objects, that were taken from Congo to Belgium during the colonial period. Once loaded, it moves to the port of Antwerp and from there crosses the sea to arrive to the port of Boma (DRC). It goes to Matadi and then left for Kinshasa, to restore and install the carried objects in the National Museum of Kinshasa. Merging film and performative actions Christian Botale Molebo sets a fictional journey, reconstructing the possibility of a national heritage, that is non existent in Congo and that the artist only discovered once in Belgium. For this project he decided to carve his own version of the object and place them at the heart of the work, searching a truth between «what has been written by the north» and «what is transmitted by word of mouth from the south», and – on a larger scale – transporting the audience inside a set of silent questions. Are these object –still in Tervuren today– well preserved? What does it mean to preserve? Who decides to give them a status of works of art? Christian Botale Molebo was born in Kinshasa/Zaïre in 1980. He studied visual communication at the Kinshasa school of Fine Arts in 2006 and graduated from the Haute Ecole des Arts du Rhin of Strasbourg, in 2012. Visual artist, performer and choreographer, he primarily works with his body and objects that he appropriates to strengthen his pieces. His work is unstable and requires an emergency process. Loaded with his own history and his native country, impermanent risks are a constant in his work. He is using chaos as a tool, drama is at the heart of his work. Christian Botale is a storyteller. Throughout choreography, performative interpretation of traditional dances, he is telling stories about the colonial period of the Belgian Congo, the Congo Free State and the Zaïre under Mobutu’s dictatorship all transmitted by word of mouth by his father. His current project KOK-LAT-VIL One-man-Sleepless night-Recreation-Exhibition is questioning inheritance, how to manage this legacy coming from the ghost of the past and the becoming of the spectrum and its heritage over the living world.

http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_2.html PURPOSE è un brand immaginario e artificiale, una sorta di culto materialista del futuro. Si ispira all'estetica delle lounge, degli incontri e dei luoghi di ritrovo aziendali contemporanei e si appropria della loro identità iper-commerciale, e dei codici della cultura pop, per rivelare il loro tentativo di utilizzare fenomeni primitivi di attrazione biologica al fine di essere percepiti come oggetti naturali. PURPOSE si manifesta in una a-temporalità: forse la sua stessa natura è l'eternità. A partire dalla creazione di questo marchio, Reza Mirabi crea PURPOSE NEXT, uno spazio saturato da una circolazione di codici, atmosfere, coreografie e testi, e dal brand stesso. Una situazione performativa in cui gli elementi scompaiono gradualmente, come se non fossero mai esistiti, o come se dovessero essere unicamente conservati dai visitatori sotto forma di memoria remota e al tempo stesso familiare, trasformando lo spazio nella traccia di un sito neo-archeologico che guarda al futuro. PURPOSE is an imaginative/artificial brand and a new materialist cult of the future. It is inspired by contemporary company lounges, meetings and hangouts and appropriates their hyper-commercial aesthetics, codes and popular culture to reveal their connection to biological conditioned primal phenomena of attraction and thereby as natural objects. PURPOSE is pointing to a timelessness: maybe it is eternity by its very nature. Starting from the creation of the brand, Reza Mirabi creates PURPOSE NEXT, a performative situation that allows a speculative culture of the future to emerge and become dominant in a specific space. A time both expanded and saturated by a circulation of codes, atmospheres, choreographies, lyrics and a brand. A series of elements that gradually disappear over the course of the performance, as if they never existed in the first place, or as if they are to be kept as a distant yet familiar memory within the visitors, leaving their traces in the form of an installation that remains as a sort of neo archaeological site. Reza Mirabi studied Visual Arts in Mumbai and is enrolling in the Masters of Choreography in Amsterdam. He lives in Berlin working in the interface between exhibition and performance, creating hybrid and sci-fi formats that immerse the visitor into speculative futures and associative realities. He designed the PURPOSE brand as a speculative morphogenic material informing choreographically bodies and objects alike.

http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_12.html Per Live Works, Judith Raum presenta una lecture performance sull'agente segreta britannica, storica e diplomatica Gertrude Bell (1884-1926) e la sua attività fotografica sul campo nella regione storicamente conosciuta come Mesopotamia. Bell aveva sviluppato sin da giovane una grande passione per le parti orientali dell'impero ottomano - oggi la Siria, la Giordania e l'Iraq - e l'Arabia. Parlava correntemente l'arabo e viaggiò in lungo e in largo per la regione, lasciandoci alla sua morte oltre 6000 fotografie. L’attività fotografica di Gertrude Bell non è mai stata analizzata. Le possibilità di movimento di Bell in Medio Oriente, come archeologa e donna europea, erano sostenute da una problematica intersezione di potenze e interessi coloniali. Tuttavia, se paragonato ai modi in cui i contemporanei di Bell usavano il mezzo fotografico nell’archeologia, il linguaggio scelto nella sua fotografia indica la sua disponibilità a lasciarsi avvicinare e influenzare da questi territori. Nel suo lavoro, Judith Raum pone allora le seguenti questioni: le fotografie di Bell sfidano il regime dello sguardo e il conformismo scientifico del tempo? In che modo queste fotografie riflettono sulla pratica visiva in generale? Judith Raum (1977) è un’artista e autrice residente a Berlino. Ha studiato Belle Arti, così come Filosofia, Storia dell’Arte e Psicoanalisi a Francoforte sul Meno e a New York. I suoi dipinti, oggetti, testi, inseriti in lecture performance e installazioni, esaminano la tensione tra la ricerca storico-sociale e il desiderio artistico. Oltre all’attività espositiva, tiene spesso lezioni presso Accademie d’Arte in giro per l’Europa. Dal 2011 al 2013 è stata borsista della Scuola di Specializzazione per le Arti e le Scienze presso l’UdK Berlin. Nel 2015 è stata borsista presso Villa Romana a Firenze, Italia. For Live Works, Judith Raum presents a lecture performance on British secret-agent, historian and diplomat Gertrude Bell (1884-1926) and her field photography in the region formerly knows as Mesopotamia. Early in her life Bell discovered the Eastern parts of the Ottoman Empire - nowadays Syria, Jordan and Iraq - as well as Arabia as her passion. She spoke Arabic fluently and travelled the region extensively, leaving more than 6000 photographs. Gertrude Bell’s photography has never been investigated. Bell’s movements in the Middle East as archaeologist and European woman were part of a problematic intersection of colonial powers and interests. Nevertheless, the language she chose in her photography indicates a readiness to get close up and let herself be affected, especially so when compared to ways in which Bell’s contemporaries in archaeology used the medium. The work of Judith Raum asks then : do her photographs challenge the regime of the gaze and the scientific conformism of the time? How do these photographs reflect on visual practice in general? Judith Raum (1977) is a Berlin-based artist and author. She studied Fine Art, as well as Philosophy, Art History and Psychoanalysis in Frankfurt/Main and New York City. Her painting, objects and texts, combined into lecture performances and installations, explore the tension between social-historical research and artistic desire. Besides exhibiting, she frequently teaches at Art Academies across Europe. From 2011-2013, she was a fellow of the Graduate School for the Arts and Sciences at the UdK Berlin. In 2015, she was Villa Romana Fellow in Florence, Italy.

http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_5.html SUPERPOSITION si colloca in una fase di transizione che chiude un ciclo di lavori che Michele Rizzo ha dedicato all’esperienza del club e della danza ad esso legata. Attraverso essi l'artista ha sviluppato un metodo compositivo e poetico che possa esprimere l’intersezione di due modi di percepire questa stessa esperienza: l'intimità e la sua dimensione collettiva. SUPERPOSITION diviene uno spazio in cui realtà enigmatiche apparentemente disgiunte comunicano tra di loro, in cui gli elementi dell'esperienza sembrano scomposti e disarticolati per ricomporsi unicamente nello sguardo dello spettatore. Il pubblico diviene così il secondo polo di uno spazio, forse sconosciuto o forse soltanto sfuggente, che richiede di essere attraversato dello sguardo. Diplomato in coreografia nel 2011 presso la School for New Dance Development (SNDO) di Amsterdam, dove ora è docente ospite in coreografia e movement-research. Nel 2015 si laurea presso il Sandberg Institute di Amsterdam, completando il percorso con il Master in arti visive Dirty Art Department, co-fondatore della piattaforma coreografica Dansco (Amsterdam) e dello spazio performativo Jacuzzi (Amsterdam) e guest artist presso GRIP (Belgio). SUPERPOSITION is part of a transition phase that Michele Rizzo has dedicated to the experience of the club and the dance associated with it. Through it the artist developed a compositional and poetic method which provides the possibility of intertwining two ways of perceiving the clubbing experience: intimacy and its collective dimension. SUPERPOSITION becomes a space in which apparently disjointed enigmatic realities communicate with each other, in which the different elements of the experience are to be recompose by the gaze of the spectator. The public thus becomes the second pole of a space, mysterious or perhaps elusive, which asked to be crossed by the gaze. Michele Rizzo is graduated in 2011 at the SNDO (School for New Dance Development, Amsterdam), where he is now a guest teacher in choreography and movement research. In 2015 he has graduated at Sandberg Institute of Amsterdam, completing the Dirty Art Department master program in visual arts. He is part of Amsterdam choreographic platform Dansco, artist space Jacuzzi, and guest artist at Grip (BE).

http://www.centralefies.it/supercontinent2/program-lw_3.html Nel 1990 il Museo Nazionale di Antropologia di Città del Messico chiese a un artigiano locale di viaggiare al fine di realizzare dei calchi e stampi di mani e volti di popolazioni indigene delle diverse zone del Paese, con l'idea di mostrarli all’interno della collezione etnografica. Le persone utilizzate per gli stampi vennero pagate 500 pesos messicani (circa 22,63 euro). A lavoro finito gli stampi delle mani e dei volti furono posizionati su dei manichini standard per poter essere esposti. I calchi sono attualmente stati rimossi e conservati nell'archivio del museo. Con Rehabilitation Cinthia De Levie ha prodotto i calchi dei pezzi originali e, manipolando gli oggetti, restituisce il movimento a corpi che sono stati oggettificati, nel tentativo di riabilitare le identità marginalizzate dalla Storia e generare un'alternativa ad essa. Per Live Works collabora con tre performer locali, chiedendo loro di essere al servizio dei frammenti: uno spostamento che mette in discussione la nozione stessa di protesi come elemento periferico al servizio di un corpo "centrale", e che invita a ripensare la relazione stessa tra centro e periferia di una cultura. Cinthia De Levie vive e lavora a Buenos Aires. Il suo lavoro esplora le costruzioni dell'alterità, con una particolare attenzione alla cultura visiva e materiale prodotta all'interno dei siti istituzionali di esposizione. Ha svolto indagini in musei di antropologia, etnografia e scienze naturali in Argentina, Italia e Messico. Lavora con il disegno, l'installazione e la performance. Ha ricevuto recentemente sovvenzioni per la creazione (Fondo Nacional de las Artes, BECAR / Cultura) e supporto alla mobilità (Prince Clause Fund) ed è stata artista in residenza al Museo Experimental Eco - UNAM (Messico) e AMEXCID (Messico). In 1990 the National Museum of Anthropology of Mexico commissioned to a local craftsman to travel all over the country, in order to make casts and molds of hands and faces of indigenous people that seemed representative of their ethnicities, that were to be shown in the museum. The people used for the molds were paid 500 Mexican Pesos (approximatively 22,63 euros). The molds where then added onto regular mannequins to be exhibited in the museum, and are now removed from display and saved in the museum archive. For Rehabilitation Cinthia De Levie created casts of the original pieces and manipulates the objects, attempting to giving back the movement to objectified bodies, rehabilitate invisibilized identities, and generate alternative histories. For Live Works she collaborates with three local performers, in asking them to be at the service of the fragments: a shift that questions the notion of prostheses as peripheral element at the service of the “central” body, and that eventually questions the very relation between centre and periphery of a culture. Cinthia De Levie lives and works in Buenos Aires. Her work explores constructions of otherness, with a particular focus on the visual and material culture produced within institutional sites of display. She has carried out investigations in museums of anthropology, ethnography and natural sciences in Argentina, Italy and Mexico. She works with drawing, installation and performance. She has been recipient of creation grants (Fondo Nacional de las Artes, BECAR/Cultura) and travel grants (Prince Clause Fund) and has been an artist in residence at Museo Experimental Eco –UNAM (Mexico) and AMEXCID (Mexico).